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Archivo de la categoría: Iconografía

EL TRAMPANTOJO “HUYENDO DE LA CRÍTICA” DE PERE BORREL (1874): IMPRESIONES

La pintura Huyendo de la Crítica (1874) del pintor y profesor de dibujo Pere Borrel del Caso es una obra que muestra de manera muy clara lo que un trampantojo representa y consigue engañarnos e incluso enturbiarnos con ella. Se encuentra en la colección del Banco de España y ha sido el paradigma en muchas exposiciones que han tratado el tema del trampantojo.

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Huyendo de la Crítica de Pere Borrell del Caso (1874). Colección Banco de España (Madrid)

Hablar de los trampantojos es hablar de aquella pintura que como dice su definición, engaña al ojo o le hace trampa. Aunque se puso de moda en la pintura mural del siglo XVII en España, su origen lo podemos remontar a la época griega y al famoso relato de como en la disputa entre los pintores Zeuxis y Parrasio (s.V a.C), el primero aventajó al segundo por haber creado una pintura con unas uvas tan reales que hasta los pájaros quisieron picotearlas y al invitar a Parrasio a que cubriera su pintura con la cortina desplegada, éste quedó sorprendido al percatarse que igualmente se trataba de una pintura.
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Bodegón con uvas de Juan Fernández el Labrador (ha. 1636) Museo del Prado (Madrid)

El desarrollo de los trampantojos se continuó en la pintura pompeyana y de alguna manera en la época medieval, resurgiendo en el Renacimiento y teniendo su máximo apogeo en el Barroco pero no quedó ahí, sino que no se ha ido perdiendo este género hasta incluso llegar a nuestros días.
En Huyendo de la Crítica nos encontramos con una pintura en la que refleja a un muchacho vestido de manera pobre, que en cierta manera recuerda a esos niños mendigos o pobres que Murillo supo reflejar en sus obras. Ya de por sí, este recuerdo nos lleva a pensar en un hito, un icono de la pintura española y de lo mucho que se le ha valorado ya no solo en España sino en Inglaterra en donde su pintura supuso una gran influencia.
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Comparación del niño Huyendo de la Crítica con Niño apoyado en el alfeizar (Murillo)

El joven quiere salir del cuadro de una manera precipitada y agitada. Se encuentra  asustado e incluso con miedo, como desesperado por escapar de un agujero. Esta actitud la podemos ver al agarrarse al marco para doblar la pierna y ejercer una presión que le haga salir de ahí. Pero aún es mucho más patente en su rostro en donde su cara asustadiza y sus ojos sobresaltados mirando hacia un lado nos transmite miedo, temor e incomprensión. El niño huye de algo que no sabemos que es porque el fondo es neutro, oscuro y desconcertante. La obra intimida más al ver un marco tan realista y que el propio retratado sale de ella al ver que su pie, manos y cabeza ya se encuentran en otro plano externo al propio marco. E incluso, como si fuera El Grito de Munch, casi podemos oír las palpitaciones de su corazón, el respirar agitado o sentir el sudor de miedo y desesperación que representa.
Esta pintura inquieta bastante por dos motivos, en primer lugar por lo realista del cuadro, casi me atrevería a decir hiper realista y en segundo lugar porque la propia imagen que fue pintada y enmarcada sale asustadiza de su propio marco y quiere saltar al vacío de nuestra realidad. Un marco inexistente como objeto real que no tendría sentido que lo tuviera porque perdería el engaño que pretende reflejar la obra.
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Huyendo de la Crítica. Detalle

La pintura me invita a una reflexión sobre el propio concepto de la pintura y sobre cualquier crítica o comentario que se pueda realizar sobre ella y en general sobre cualquier obra de arte. Ya el propio título Huyendo de la Crítica nos dice mucho. Es como si el niño, que simboliza la pintura o la temática representada encajada en un marco, quisiera escaparse desesperado de su propio recuadro para no ser partícipe o protagonista de las miradas que tendrá o de los tantos comentarios, análisis, reflexiones u opiniones que tanto hacen el público, los críticos o historiadores del arte.
Los historiadores del arte y críticos nos han hablado y han escrito sobre la teoría del arte, sobre las obras de arte, su historia y su significado y lo asumimos como una verdad inamovible. E incluso nos creemos que las personas a las que llamamos “eminencias” tienen más razón por sus años de estudio e investigación. Pero respetando la pasión, el tiempo y la dedicación de cada una de esas personas, hemos de plantearnos si realmente están en posesión de la verdad o simplemente plantearnos de cual es la verdad de una obra de arte porque si lo pensamos detenidamente tan solo podríamos decir que no lo sabemos.
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Huyendo de la Crítica en la exposición Metapintura /MNP

Para mí, ver a este muchacho huyendo de su propio marco lo hace para no ser etiquetado por la sociedad, para preservar su verdad, para que no sea objeto de opiniones que cambian en función de las oleadas que se ponen de moda en cada momento y que unas se pisan a las otras, huye porque lo único que quisiera la pintura es preservar el significado o el simbolismo para el que fue realizada, en definitiva su verdad. E incluso huye de las palabras de este mismo post en el que me atrevo a escribir sin ánimo de afirmar que mis palabras sean una verdad y que tan sólo son eso, impresiones personales.
E incluso podemos dar un paso más a un plano más personal y actual. Quién al ver este cuadro no se siente invadido o incluso identificado con el muchacho, representado como un simbolismo de nuestra propia persona. Una persona que también está llena de miedos y que a veces tenemos un deseo desesperado de que no nos invada queriendo huir de él, con la misma desesperación y angustia que el propio muchacho refleja (que incluso pueda ser el reflejo de un miedo que el propio pintor posee y nos lo ha querido mostrar a través de su obra). Cuántas veces nos sentimos encajonados en una situación, en un marco de la vida de la cual pensamos que no podemos huir pero en el fondo tenemos un deseo inmenso de hacerlo.
Poder mirar una obra de arte no es verla solamente desde un plano del espectador como si fuera algo externo que no nos atañe, sino que también puede ser un acercamiento para conocernos a nosotros mismos y vernos reflejados en algo que nos puede ayudar a entendernos más.
Esto es lo que a mí me ha hecho pensar y escribir de una manera diferente gracias siempre al despertar que me provoca Vanesa Saavedra, mi Pequeña, quien me ayuda a mirar con otros ojos el arte y la historia y quien me va despertando una nueva sensibilidad en el arte y a la cual, no existen palabras en el diccionario para agradecérselo.
Por David Gutiérrez
 
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Publicado por en 29 enero, 2017 en Iconografía, Pintura

 

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UNA PINTURA COPIA DE MURILLO EN LA CAPILLA DEL AVE MARÍA (MADRID) / A copy painting by Murillo at the Hall Ave Maria Chapel (Madrid)

Resumen: La pintura de Santa Isabel de Hungría curando a los tuñidos es una de las pinturas más importantes del pintor barroco español Bartolomé Esteban Murillo. La obra original fue sustraída por los franceses y devuelta a España en el siglo XIX. Depositada en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (Madrid) surgieron diversas copias en lienzo y en grabado, algunas de ellas conservadas en la actualidad. Una de estas copias se conserva en la capilla del Comedor del Ave María (Madrid), único vestigio del antiguo Convento de la Trinidad fundado en el siglo XVI por el rey Felipe II.

Summary: The painting of ‘St. Elizabeth of Hungary’ in her hospital is one of the most important paintings of the Spanish baroque painter Bartolomé Esteban Murillo. The original work was stolen by the French and returned to Spain in the nineteenth century. It was deposited in the Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (Madrid) and after that it emerged several copies on canvas and engraving, some preserved today. One of these copies is preserved in the Hall of Ave Maria Chapel (Madrid), the only vestige of the former Convent of the Trinity founded in the sixteenth century by King Philipe II.

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Copia de Santa Isabel de Hungría curando a los tuñidos, obra de Murillo, en la capilla del Ave María (Madrid) (Imagen: Mercedes Gómez)

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Publicado por en 29 septiembre, 2015 en Iconografía, Madrid, Pintura

 

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EL PORCELLINO O LA ESCULTURA DEL JABALÍ EN MADRID / The Porcellino or the boar sculpture in Madrid

Resumen: El Porcellino o jabalí de Florencia es una escultura romana que se copió en el siglo XVII por el escultor Pietro Tacca. La fama de esta escultura hizo que se realizaran numerosas copias desde el siglo XVI. En España, concretamente en Madrid existen dos jabalíes en los jardines históricos de palacios del Romanticismo. En este post hacemos una breve historia de su origen y significado con los ejemplos conservados en Madrid.

Summary: Florence Porcellino or boar is a Roman sculpture that was copied in the seventeenth century by the sculptor Pietro Tacca. The fame of this sculpture made numerous copies were held since the sixteenth century. In Spain there are two boars in the historic gardens of Romanticism palaces, particularly in Madrid. This post is a brief history of its origin and meaning with examples preserved in Madrid.

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Il Porcellino. Florencia (Italia) (Fuente: www.nove.firenze.it)

Il Porcellino o el Jabalí es una de las esculturas más famosas para visitar en el casco antiguo de Florencia. Se encuentra en el llamado Mercado Nuevo o más conocido como del Porcellino, un lugar en donde los turistas acuden para encontrarse con esta fuente de bronce de los deseos cuya tradición dice que frotando su hocico al mismo tiempo que dejamos caer una moneda desde su boca, si dicha moneda logra colarse por los barrotes del desagüe, el deseo pedido será concedido o el regreso a la ciudad del arte está asegurado. La escultura que hoy se conserva es una copia de la que hizo Pietro Tacca en el siglo XVII que a su vez es una copia de una obra en mármol que se conserva en la Galería de los Uffizi.

Pero la fama de esta escultura también traspasó las fronteras italianas y hoy se conservan copias por diversos países del mundo, entre ellos, en España y concretamente en Madrid se conservan dos de estas copias para adornar los jardines decimonónicos de la sociedad madrileña.

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Publicado por en 11 junio, 2015 en Escultura, Iconografía, Madrid

 

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EL BESO EN EL ARTE / The kiss in Art

Resumen: Con motivo del Día Internacional del Beso vamos a exponer una serie de imágenes de diversas épocas en donde este tema ha sido objeto de representación en la historia del arte.

Summary: On the occasion of International Kissing Day we will expose a series of images from different periods in which this subject has been the subject of representation in art history.

Hoy, 13 de abril es el Día Internacional del Beso que surgió cuando se registró el beso más largo de la historia que duró 46 horas, 26 minutos y 9 segundos. Este maravilloso gesto que el mundo siempre ha conocido y que en ocasiones se queda olvidado por las rutinas de nuestro día a día es digno de ser homenajeado. Pero a pesar de que el beso más largo quedó registrado, creo que los besos más largos que aún quedan registrados al día de hoy son los que muchos de los artistas de diversas épocas supieron reflejar en sus obras de arte que aún hoy son objeto de admiración. Por eso vamos a recordar algunos de los besos más famosos plasmados en la historia del arte.

El Beso de Rodin

El Beso. Auguste Rodin (Museo Rodin. Paris) (Fuente: www.musee-rodin.fr)

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Publicado por en 13 abril, 2015 en Escultura, Iconografía, Pintura

 

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IMÁGENES BARROCAS DE CRISTO CRUCIFICADO EN MADRID / Baroque images of Crucifixion in Madrid

Resumen: Una de las iconografías más famosas en la escultura del barroco español es la del Cristo Crucificado. Tiene una serie de características que repiten continuamente con algunas pequeñas diferencias y son magníficas obras que los escultores del momento realizaron para iglesias, conventos o cofradías. Muchas de estas imágenes aún se veneran y salen a la calle en las procesiones. En la ciudad de Madrid aún se conservan algunas de estas obras realizadas por afamados escultores de los siglos XVII y XVIII. En este post hacemos un comentario de algunas de ellas.

Summary: One of the most famous iconography in the Spanish Baroque sculpture is the Christ Crucified. It has a number of features that continuously repeated with some small differences and are magnificent works of sculptors of the time made for churches, convents and brotherhoods. Many of these images still are revered and go out in processions. In the city of Madrid still preserved some of these works by famous sculptors of the seventeenth and eighteenth centuries. In this post we comment some of them.

Cristo Estudiantes

Procesión Cristo de los Estudiantes (Madrid) (Fuente: www.pasos-palios.blogspot.com.es)

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Publicado por en 30 marzo, 2015 en Escultura, Iconografía, Madrid

 

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UN NACIMIENTO INÉDITO DE LA ROLDANA EN MADRID / An unknown Nativity of the Roldana in Madrid

Resumen: Luisa Roldán o La Roldana, fue una mujer escultora del siglo XVII que obtuvo el puesto de Escultora de Cámara en el reinado de Carlos II y Felipe V. Por primera vez, se expone en Madrid un Nacimiento inédito que está considerada como obra segura de la escultora que pertenece a su época madrileña. Da la casualidad que por primera vez en su obra, aparece la representación del donante de la obra quien la entregó al Convento de Santa Teresa de Madrid. En este post hacemos un comentario hacia esta magnífica obra inédita.

Research: Luisa Roldán or La Roldana was a sculptor woman of the 17th century who obtained the position of Sculpture of Chamber in the reign of Charles II and Felipe V. For the first time exhibited in Madrid an unknown Nativity which is considered a safe work of her Madrid period. It just so happens that for the first time appear the representation of the donor in her work. It exists the possibility that this donor brought this piece of art to the Santa Teresa Convent in Madrid. In this post we make a comment to this magnificent unknown work.

Nacimiento (ha. 1689-1706). Luisa Roldán, La Roldana. Convento de Santa Teresa (Madrid)

Nacimiento (ha. 1689-1706). Luisa Roldán, La Roldana. Convento de Santa Teresa (Madrid)

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Publicado por en 23 marzo, 2015 en Escultura, Iconografía

 

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MUJERES EN EL BALCÓN: MURILLO-GOYA-MANET / Women in the balcony: Murillo-Goya-Manet

Resumen: El tema de las mujeres en una ventana o un balcón en la pintura proviene desde el renacimiento. A partir de la obra Mujeres en la ventana de Murillo veremos como influye el tema y la composición en pintores de otras épocas posteriores, principalmente en las obras de Goya y Manet. Igualmente existieron otros pintores que copiaron la misma composición y todas ellas representan un interés para ver la evolución de un mismo tema en varias épocas de la historia del arte.

Abstract: The subject of women in a window or balcony in painting comes from the Renaissance. From the work “Women in the window” by Murillo we will see how the subject and composition influenced in other painters later times, especially in the works of Goya and Manet. Also there were other painters who copied the same composition and all of them represent an interest to see the evolution of the same subject at various times in the history of art.

Mujeres al balcón. Montaje

Murillo, Goya y Manet interpretando sus obras de Mujeres en el balcón

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Publicado por en 18 marzo, 2015 en Iconografía, Pintura

 

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